Рококо в живописи: известные картины, художники

Происхождение названия

Название «рококо» это производная от французского слова «rocaille», что дословно можно перевести, как «камушек» или «ракушка», но в контексте чаще используется в значении «осколок». Первые наработки этого направления встречаются в оформлении парковых гротов, где в качестве декора использовались морские раковины и скальные обломки. Так сформировался типичный орнамент «рокайль», а отличительный декоративный элемент, получил название «рокайльный завиток».

Зародилось рококо ещё в XVII столетии во времена правлении Людовика XIV – «короля-солнце», а превратилось в господствующий стиль уже в XVIII столетии, когда на престол взошёл Людовик XV (1720-1774 г.г.). Именно в это время Франция становится богатой, роскошной страной, законодательницей мод, и занимает ведущее место в художественной и культурной жизни Европы. Вдохновителем стиля рококо считается Жан-Луи-Эрнест Месонье́, поскольку именно в его творениях впервые появились ассиметричные формы и необычные контуры причудливо изогнутой морской раковины.

 

До середины XIX века искусство рококо не выделялось как отдельное стилевое направление. Считалось, что это барокко в своём позднем развитии. Однако, являясь логическим завершением тяжеловесного барочного искусства, рококо трансформировал некоторые его идеи в нечто принципиально новое, непохожее на искусство своего предшественника. Таким образом, рококо, начавшись, как эволюция барочного направления, со временем стал самостоятельным художественным стилем, в какой-то мере даже антиподом искусства барокко.

Изначально rocaille – это способ декорирования интерьера садовых гротов, фронтальных чаш, а «рокайльщиком» называли мастера, работающего в этой сфере. Постепенно термин просочился во все виды искусства, однако в большей мере стиль рококо выразился в интерьере.

Для живописи и скульптуры характерны в основном эротические, мифологические и пасторальные сюжеты. Первым мастером картин в стиле рококо стал Ватто, в дальнейшем искусство развивается в творчестве Буше и Фрагонар. В рамках стиля развитие получил такой вид живописи, как декоративное панно. Ярчайшим представителем в скульптуре явился Фальконе, его бюстами и статуями украшались интерьеры.

Музыкальный стиль рококо в чистом виде проявил себя в творчестве великих французских клавесинистов Франсуа Куперена и Жана Рамо. В этой манере работают сейчас современные музыканты: Андре Кампра, Марин Маре и др.

Эстетика рококо сыграла важную роль и в других европейских странах: более всего в Австрии и Германии, чуть меньше – в Италии, Англии (роскошный викторианский стиль), Испании.

 

В России рококо развивалось под влиянием приезжих французских и немецких мастеров (Токке, Фальконе, Рослин). Также под этим влиянием в России работали такие великие мастера, как Растрелли, Ринальди (постройки в Ораниенбауме), Ухтомский, Рокотов, Левицкий.

Именно в эпоху рококо произошёл расцвет графики.

Главные черты и особенности стиля рококо:

• камерная декоративность;
• изящество и лёгкость;
• пастельные тона;
• деталь как основной художественный приём;
• сюжеты из мифов и пасторалей;
• лепнина, орнамент, позолота (для интерьера)

Рококо в искусстве

Cкульптуре, живописи и графике свойственны пасторальные, эротические и эротико-мифологические мотивы.

Рококо в живописи

Первый заметный художник и один из основоположников стиля рококо был живописец Антуан Ватто, который дал наиболее идеальное олицетворение основам этого стиля.

Ближайшие последователи Ватто, кто превратил его творческий почерк в утончённое повальное увлечение, стали художники Пьер-Антуан Кийар, Никола Ланкре и Жан-Батист Патер. После Антуана Ватто стиль развивался уже от кисти таких художников, как Франсуа Буше, Жан-Оноре Фрагонар, Джованни Пеллегрини, Никола Ланкре.

Картина «Закат солнца», художник Франсуа Буше, 1752 г.

Живопись этого стиля имела в основном декоративную направленность, а также была полна тонкими переливами цвета и в тоже время была немного неяркой по колориту.

Искусство Буше диктовало правила огромному количеству художников, таких как братья ван Лоо, Шарль-Жозеф Натуар. Также оно оказало воздействие и на творчество Элизабет Виже-Лебрен и других мастеров. Это влияние длилось до самой Великой французской революции 1789 года.

Среди заметных мастеров рококо были самые разные художники, которые работали в самых разных жанрах живописи: Морис Кантен де Латур, Луи-Мишель ван Лоо, Жан-Марк Натье, Жан-Батист Перронно, Франсуа-Юбер Друэ и другие.

Последним значимым живописцем стиля рококо стал Жан-Оноре Фрагонар. Этот пейзажист, портретист и гравёр, также как и Антуан Ватто, не вписывался в рамки лишь «модного стиля».

Что же привело к возникновению новой эстетики? Знать устала от торжественной пышности и парадности так называемого «большого стиля» Людовика XIV — «короля-солнце». Великолепие Версаля, отразившее принципы абсолютизма, было не слишком-то комфортным. В правление Луи XV аристократия провозгласила курс на гедонизм. Эти настроения идеально отразились в знаменитой фразе «после нас хоть потоп», приписываемой фаворитке монарха — маркизе де Помпадур.

В итоге светская жизнь сосредоточилась в изящных гостиных и салонах (а не в огромных версальских залах), а в искусстве был взят курс на декоративность, утончённость, игривые формы, хрупкость, поэтическую меланхоличность и даже некоторую жеманность.

В живописи правили бал пасторали и буколика, на фоне которых разворачивались галантные сюжеты. Приметой времени стали пастушеские мотивы.

Впрочем, настоящих пастухов художники никогда не изображали. Их персонажи — это, скорее, переодетые дворяне, не знающие тягот жизни, далёкие от социальных проблем, томно воздыхающие на фоне роскошных пейзажей.

Часто избирались мифологические темы, большей частью пикантные — например, «роман» Леды с лебедем или соблазнение Каллисто Юпитером, принявшем облик Артемиды.

Художники без устали воспевали восторги возвышенной, но притом вполне плотской любви и с удовольствием живописали обнажённую натуру.

Венера, нимфы и другие женские образы из мифологии в изобилии представлены на полотнах.

Многие аристократки с удовольствием позировали модным живописцам без одежды. Считается, например, что на картине «Лежащая девушка» Франсуа Буше (François Boucher) изображена юная любовница короля.

В качестве жизненных ориентиров были провозглашены праздничность и праздность. В атмосфере произведений царит веселье, ликование. Кажется, что со многих полотен доносится смех.

Не было чуждо творцам и остроумие — например, оно искрится в сценках Фрагонара. Были популярны и домашние сентиментальные сюжеты, бытовые моменты фривольного типа.

Возникло и оригинальное ответвление — шинуазри: ориентальная ветвь, отразившая интерес европейцев к экзотическому Китаю.

Интенсивно развивался портретный жанр. Интересно, что появилась мода на изображение дам в мифологическом антураже — например, маркиза де Помпадур у Жан-Марка Натье (Jean-Marc Nattier) предстаёт в виде Дианы-охотницы.

Или же, наоборот, в мифологических персонажах прослеживались черты реальных красавиц. К примеру, у Психеи Шарля-Жозефа Натуара (Charles-Joseph Natoire) улавливаются черты герцогини де Субиз.

Очень много на рокайльных полотнах очаровательных путти — младенцев с крылышками и без.

Кстати, портретисты часто изображали детей в виде ангелочков.

Герои картин всегда молоды и красивы. Интересна ещё одна характерная особенность рокайльности — цветущий румянец.

Он украшает даже лица героинь, похожих на фарфоровые статуэтки (в том числе и мадам де Помпадур, которая отличалась очень слабой, болезненной натурой). Это довольно противоречивое сочетание бледной хрупкости и пылающего румянца типично для рококо.

Узнаваема и палитра: лёгкая, приглушённая, даже несколько блеклая, зато богатая тонкими переливами нежных оттенков. Живописцы с удовольствием используют розоватые, голубоватые, сиреневые тона.

Рококо в скульптуре

«Интоксикация вином» («The Intoxication of Wine»), скульптор Клод Мишель (Клодион), 1780–1790 гг.

Во Франции скульптура в стиле рококо, по сравнению с живописью, не такая грандиозная и оригинальная. В искусстве рококо больше были распространены портретные бюсты, скульптурные группы или статуи купальщиц и амуров.

Самые знаменитые скульпторы рококо: Жан-Батист Лемуан, Этьен Морис Фальконе, Клод Мишель (Клодион).

Фальконе считается одним из самых ярких представителей этого стиля в скульптуре Франции. Однако его творчество состояло больше из статуй, рассчитанных для декорирования интерьеров и бюстов, среди которых были и статуи из терракоты.

В других европейских странах в создании скульптур рококо тоже первенствовали рассчитанные для декорирования интерьеров рельефы и статуи, небольшого размера статуэтки, в частности из терракоты и фарфора .

Например, немецкий скульптор, мастер мейсенской фарфоровой скульптуры Иоганн Иоахим Кендлер.

Идейная основа французского рококо

Гедонизм с его стремлением к удовольствию как к высшему благу и смыслу жизни наряду с индивидуализмом стал главной философией французской аристократии XVIII в. Он же определил эмоциональную основу стиля рококо в живописи, выражавшегося в игривой грации, милых капризах и прелестных мелочах.

Не случайно любимой аллегорией рококо стал мифический остров Кифера – место, куда устремляются ищущие чувственных наслаждений паломники. Этот участок суши посреди Эгейского моря действительно существует.

Здесь, согласно древнегреческой мифологии, родилась прекрасная Афродита. Здесь же сложился культ богини любви, распространившийся впоследствии по всей Греции. Поклонники Афродиты приезжали на остров, чтобы принести жертвы в святилище, устроенном в ее честь.

В эпоху рококо Кифера символизировал рай для влюбленных, которые отправлялись на воображаемый остров к храму Венеры. Там царствовал изощренный эротизм, вечные праздники и безделье. На Кифере женщины молоды и прекрасны, а мужчины исключительно галантны.

Из дворца в частную гостиную

Тенденция к интимному оформлению интерьера обозначилась уже в начале XVIII в. Аристократические салоны и будуары частных домов, где главную роль играли женщины, стали центрами формирования галантной культуры и соответствующих правил поведения.

Целая армия французских ювелиров, мебельщиков, портных, живописцев и декораторов готова была удовлетворить любые запросы капризных заказчиц. Моду рококо в первую очередь диктовала королева Мария Лещинская и фаворитки Людовика XV: графиня Дюбарри и маркиза де Помпадур.

Настенные плафоны и панно, а также живописные композиции над проемами окон и дверей были главными видами изобразительного искусства. Теперь, кроме королевского двора и церковных прелатов, декоративные картины для своих гостиных художникам заказывала новая аристократия и представители третьего сословия.

Жанры и сюжеты

Несмотря на новые идеи, рококо в живописи не отвергло полностью традиционные темы, разрабатывавшиеся в прошлом. Например, продолжали использоваться мифологические сюжеты, только теперь из всего античного пантеона в основном рисовали амуров и нимф, а Венера скорее напоминала светскую даму, демонстрирующую прелести обнаженного тела в пикантной обстановке.

Со временем появилась пастораль – новый жанр камерной живописи, предназначенный для жилого интерьера. Пасторальные картины в стиле рококо представляли собой идиллические сельские пейзажи, на фоне которых пастушки и пастухи в богатых нарядах играют на свирелях, читают или танцуют. Несмотря на невинные занятия, всю обстановку окутывает легкий флер эротики.

Пионер галантного стиля

Основоположником рококо в живописи считается Ватто Жан-Антуан. Художник начинал с подражания фламандским живописцам, однако со временем нашел истинно свой стиль, изображая галантные сцены. Для его картин характерна особая художественная глубина, а не просто изображение праздных аристократов, флиртующих на лоне природе.

Антуан Ватто написал два полотна на популярный сюжет аллегорического путешествия на остров влюбленных. Одна из них, «Паломничество на остров Киферу», экспонируется в Лувре, а другая – в Берлине, во дворце Шарлоттенбург. Обе они представляют собой яркий образец стиля рококо.

Театральность, характерная вообще для искусства XVIII века, в работах Ватто особенно заметна. Например, в построении композиции («Пастушки», «На Елисейских полях»). Здесь всегда есть передний план – своеобразная сценическая площадка, а группы фигур расположены так же, как и в театре.

Многогранное творчество Буше

Разумеется, Ватто был не единственным художником, работавшем в новом направлении. Франсуа Буше – другой яркий представитель французского рококо, в чьем творчестве наиболее полно отразился откровенно фривольный гедонизм, присущий той эпохе. Он выполнял заказы Людовика XV, маркизы де Помпадур, в частности написал знаменитый портрет фаворитки.

Также Буше создавал декорации для опер, гравюры к книгам Мольера, картоны для гобеленов, эскизы для севрского фарфора, словом, работал в разных направлениях изобразительного искусства.

Антуан Ватто, сам того не подозревая, наложил отпечаток на творчество Буше, который в юности копировал его рисунки. Позднее Буше изучал технику барокко в Риме, стал профессором Французской Академии художеств, получил всеевропейскую славу.

Его творчество охватывает все темы, характерные для живописи рококо: мифологию, деревенские ярмарки, аллегории, китайские сценки, сюжеты из фешенебельной парижской жизни, пасторали, портреты и пейзажи.

Представители рококо в живописи

Фрагонар Жан Оноре, один из крупнейших французских художников XVIII в., создавал полотна с игриво-эротическими мотивами. Таковы, например, «Качели», «Поцелуй украдкой», «Две девушки», «Одалиска» и пр.

Его картины, исполненные чувственной неги, отличаются тонкими светотеневыми эффектами, легкой живописной манерой, декоративностью колорита. Стиль Фрагонара со временем менялся. Если в полотне «Задвижка» прослеживается классическая манера, то в портретах, написанных в 1760-е годы, заметно романтическое влияние.

Еще одним видным представителем рокайльной живописи был Николя Ланкре, который многое сделал для распространения в Европе французского вкуса. Его полотна охотно покупали Екатерина II, Фридрих II Прусский, не считая частных коллекционеров – почитателей стиля рококо.

Картины известных художников той поры сегодня представлены в экспозициях крупнейших музеев мира. Хотя критики по-разному оценивают эстетику рококо, тем не менее невозможно отрицать самобытную оригинальность этого стиля, не имеющего прототипов в истории.

Особенности

Ценители искусства часто выражают мнение, что рококо это очередное воплощение мотивов барокко, но такое суждение можно считать слишком обобщенным. Прямой связи здесь не может возникнуть по той простой причине, что барокко никогда не пользовался во Франции большой популярностью. Конечно, просматриваются некоторые схожие тенденции, которые явно служат противовесом рациональности классицизма, но рококо демонстрирует целый ряд индивидуальных характеристик.

• Сюжеты демонстрируют разнообразные сцены из частной жизни, которые как бы случайно открылись постороннему глазу.

• Эмоциональный фон наполнен томностью, сентиментальностью и некоторой фривольностью.

• Цветовая гамма составлена из пастельных тонов и плавных переходов.

• Частные сцены из сельской жизни передают идеализированные представления о приятном времяпровождении в лонах природы.

• Люди из простого сословия наделяются нежными чертами и утонченными формами. В то время как страдания или различные виды уродства вовсе не заслуживают внимания художника.

• Сюжетная линия в основном предпочитает касаться галантных тем с некоторыми пикантными подробностями. Религиозные мотивы используются только в качестве исключения.

Учитывая характерные особенности передачи образов и настроений, можно определенно прийти к выводу, что рококо с такой же уверенностью служит противовесом для барокко, как и для классицизма.

Художники рококо

Аллан Рэмзи, Антуан Ватто, Антуан Пэн, Бенджамин Уэст, Бернардо Беллотто, Владимир Боровиковский, Джованни Баттиста Тьеполо, Джованни Доменико Тьеполо, Джошуа Рейнольдс, Жан Батист Симеон Шарден, Жан-Оноре Фрагонар, Каналетто, Карл Людвиг Христинек, Морис Кантен де Латур, Пьетро Лонги, Томас Гейнсборо, Уильям Хогарт,Фёдор Рокотов, Франсуа Буше, Элизабет Луиза Виже-Лебрен.

Живопись рококо, которая тесно связана с интерьером отеля, получила своё развитие в станковых и декоративных камерных формах. В росписи стен, плафонов, в гобеленах, наддверных панно преобладали современные и мифологические галантные темы, пейзажи, которые рисовали интимный быт аристократии, идеализированный портрет, который изображал модель в образе мифологического героя, пасторальный жанр. Утрачивал самостоятельное значение образ человека, фигуры превращались в детали орнаментального убранства интерьера.

Тонкая культура цвета, достижение общей легкости, которая подчеркнута светлой палитрой, умение построить композицию слитными декоративными пятнами, предпочтение серебристо-голубоватых, блеклых, розовых и золотистых оттенков, — всё это было присуще художникам рококо.

С развитием живописи рококо одновременно усиливалась роль реалистического направления. Достигли своего расцвета натюрморт, портрет, пейзаж, бытовой жанр.

Декоративное панно, в большей степени овальной, круглой или причудливо-изогнутой формы стало самой распространенной формой живописного произведения.

В основании этого рисунка и композиции лежит мягко изгибающаяся линия, придающая произведению обязательную для этого стиля нарядность и вычурность. Рокайльные мастера в своих колористических исканиях шли от Веронезе, Рубенса и венецианцев, однако, отдавали предпочтение не их насыщенным, сочным цветам, а бледным полутонам: синий становится голубым, красный – розовым, появляются блекло-голубые, розовые, лимонно-желтые, сиреневые цвета, даже вымышленные — вроде «цвета бедра испуганной нимфы».

Cupid and Psyche, Бенджамин Уэст
Self portrait, Бенджамин Уэст
Portrait Of Raphael West And Benjamin West, Бенджамин Уэст

Одним из представителей этого стиля был талантливый А. Ватто, который дал наиболее совершенное воплощение принципам данного стиля. Меланхолическая мечтательность и эмоциональность придают характерам образов Антуана Ватто особую утонченность, которую уже не достигают непосредственные последователи мастера. Они превратили его манеру и мотивы в поверхностную и изысканную моду (Патер, Ланкре, Кийар).

Ученик Франсуа Лемуана Франсуа Буше стал крупнейшим мастером собственнорокайльного искусства. Он был великолепным колористом и рисовальщиком, мастером занимательных любовных сюжетов. Целой плеяде мастеров, таких как Антуан Куапель, братья Ванло, Натуар и многие другие живопись Буше диктовала законы и это влияние продержалось во Франции вплоть до Революции 1789.

Среди значительных мастеров рококо были художники самого различного дарования, которые обращались к самым разным жанрам живописи: Луи-Мишель Ванло, Токке, Ж.М. Наттье, Латур, Друэ, Перроно. Жан Оноре Фрагонар был последним крупным живописцем рококо, тонкий пейзажист и портретист, как и Ватто, который не вписывался в рамки просто модного стиля.

Жан Антуан Ватто

Предтечей этого направления в искусстве, но также и гораздо более глубоким явлением, не укладывающимся в рамки какого-либо одного направления, был художник Жан Антуан Ватто, создавший собственный уникальный образ в искусстве. Ватто нашел себя своей темой, когда он прибыл в Париж: это так называемые галантные праздники — аристократическое общество в парке, играющее музыку, танцующее, праздное; картина, в которой как будто нет действия или сюжета — сцены небрежной жизни, переданные с утонченной грацией. Все это как бы было видно со стороны тонкого, слегка ироничного наблюдателя с оттенком грусти и грусти. Цвет Ватто — одно из самых сильных качеств его таланта — построен на тонких нюансах серых, коричневых, бледно-сиреневых, желто-розовых тонов. Картины Ватто никогда не имеют чистого тона. Как и в цвете, даны все тончайшие оттенки любви. В 1717 году художник создал одну из крупнейших работ «Паломничество на остров Цитеру» (см. Приложение 3). Эта картина отражает тончайшую палитру чувств, которая в первую очередь создается самим цветом. Но все это не любовь, а игра любви, театр. Театральность характерна для всего искусства 15-го века, особенно для Ватто. Он не скрывает театрального приема в композиции. Искусство театра было не только модным в эпоху Ватто, театр был всей жизнью общества, о котором пишет художник.

Ватто вообще очень хорошо знал актерскую жизнь и не раз писал актеров итальянской и французской комедии. Делакруа назвал технику Ватто удивительной, сочетая Фландрию и Венецию. В самом конце своей жизни Ватто создал свою последнюю работу — это знак антикварной лавки, которая называется «Магазин Герсена». В нем он, вероятно, хотел показать, насколько мимолетна «слава мира», насколько коротки сила и сама жизнь, и только одно искусство — навсегда.

Франсуа Буше

Франсуа Буше стал истинным представителем французского рококо, потому что в его искусстве рококо гедонизм, достигший точки легкомыслия, пренебрежение конструктивным, рациональным, разумным, а также всей утонченной культурой «языка рокай», был полностью выражен ,

Франсуа Буше (1703-1770), французский художник, рисовальщик, гравер и декоратор. Родился 29 сентября 1703 года в Париже, где прожил всю свою жизнь. Самым известным из его учителей был Франсуа Лемуан. В 1723 году Буш получил Гран-при Королевской академии и в 1727 году отправился на четыре года в Италию. В Риме он был особенно впечатлен декоративными работами Пьетро да Кортона и Джованни Ланфранко. Несомненно, художник также был знаком с венецианской традицией монументальной и декоративной живописи, хотя неизвестно, ездил ли он в Венецию; Позже Баучер начал собирать рисунки Тьеполо.

В 1734 году Буш стал членом Королевской академии, с 1755 года — директором Королевской гобеленовой мануфактуры, а десять лет спустя — директором Королевской академии живописи и ваяния и «первым художником короля». Баучер умер в Париже 30 мая 1770 года.

Баучер — самый известный и успешный мастер, работавший в стиле рококо. Он получил заказы на создание декоративных росписей для резиденций короля и мадам Помпадур, а также для частных особняков в Париже. Баучер делал декорации для опер и спектаклей и картон для гобеленов мануфактуры Бове; две серии картонов, Italian Village Holidays (1736) и Noble Pastoral (1755), находятся в коллекции Хантингтона в Сан-Марино (Калифорния). Заслуживают внимания многочисленные серии гравюр Буше, в том числе иллюстрации к произведениям Мольера и других авторов, а также серия криков Парижа с изображениями уличных сцен. Художник также выполнил эскизы для фарфоровых изделий мануфактур Vincennes и Sevres.

Диапазон сюжетов картин Boucher охватывает все темы, характерные для стиля рококо. Он обратился к литературным, аллегорическим и мифологическим предметам (особенно связанным с Венерой), изобразил деревенские ярмарки, модную парижскую жизнь, игривые экзотические «китайские» сцены и пасторали, нарисовал пейзажи и портреты, а иногда и картины на религиозные темы. Во всем Буш чувствует сочетание острого наблюдения и декоративной утонченности, чувственной непосредственности и игривого притворства, характерного для рококо. Среди его лучших работ — картина туалета Венеры (1740, Стокгольм, Национальный музей) и портрет мадам Помпадур.

Жан Оноре Фрагонар

Жан Оноре Фрагонар (1732–1806), французский живописец и график. Учился в Париже у Ж.Б.С. Шарден, Ф. Баучер, К. Ванлу, во Французской академии в Риме (1756-1761); работал в Париже. В 1789-1794 годах Фрагонар был куратором Национального музея — Лувра. Продолжая традиции искусства рококо, Фрагонар добился особого проникновения в реконструкцию лирических сцен повседневной жизни, сферы интимных человеческих чувств и поэзии природы. Его произведения, полные благоговейной эмоциональности, чувственного блаженства, ощущения радости бытия, отличаются изысканным декоративным колоритом, легким стилем живописи, плавными композиционными ритмами («Свинг», 1766, коллекция Уоллеса, Лондон; «Праздник в Сенте» Облако », 1775, Французский банк, Париж;« Sneak A Kiss », Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Тонкие черно-белые эффекты характерны для офортов и многочисленных рисунков Фрагонара — исследования природы и ландшафтов, выполненные в технике сангвиник, бистр и иногда сепия (см. Приложение 6). Связь с рококо проявляется в резко пикантных и в то же время ироничных ситуациях («Дата», «Погоня»). Художник стремился передать интенсивный блеск реального мира, он любил теплую золотую гамму, игру света. Стиль и манера Фрагонара разнообразны: они изменились, превратились из декоративного решения в классическое, с характерным точным, эластичным рисунком и локальным сдержанным цветом, заданным в границах формы («Защелка!», 1778), затем романтическим, с характерной для него выразительностью инсульта, живописностью (серия портретов 1760-х годов), тонкостью светово-воздушных эффектов. Он мастер мимолетной зарисовки с натуры. В портретах Фрагонар стремился уловить творческую импульсивность, эмоциональное возбуждение, страсть переживаний, которые неизбежно должны вступить в действие, вывести их за пределы обычного, из интимной сферы жизни. Художник смело разрушил каноны аристократического портрета 18 века. В «Портрете Дидро» (Париж, частная коллекция) он запечатлел философа в момент внутреннего проникновения в суть, оторванный от чтения, с вдохновенным взглядом, зафиксированным на расстоянии. Выразительная роль света, динамика композиционных и живописных решений создают впечатление изменчивости природы. Образ «Вдохновения» (1769, Париж, Лувр), подчиненный одной страсти — жалкому подъему мысли, мечты, несколько выходит за рамки портретного жанра. В интимных лирических портретах Фрагонара есть тенденции, которые стали характерными для романтизма 19-го века.

Никола Ланкре

Никола Ланкре (1690 — 1743), французский художник, представитель искусства рококо. На него сильно повлиял А. Уотто. В 1719 году он был принят в Королевскую академию живописи и ваяния как «мастер галантных заговоров». Ланкре писал «галантные сцены» («Галантный разговор», коллекция Уоллеса, Лондон), пейзажи, жанровые и театральные композиции («Повар», коллекция Уоллеса; «Концерт в парке», Музей Пушкина, Москва), портреты («Танцор» Камарго », Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), отличаются изысканным, несколько блеклым цветом, декоративным, мягким стилем живописи. Lancre. Сюжеты картин Ланкре часто повторяются, их можно объединить в несколько групп. Чаще всего у него есть такие истории, как «Компания в парке», «Пастораль», «Купание», «Ловцы птиц». Он также ссылается на театральные сцены, взятые из пьес и постановок драматургов 18-го века, таких как Данкур или Мариво. Ланкр мог непосредственно ввести в картину то, что он наблюдал на театральной сцене. Наконец, Ланкре создает серию картин, изображающих «Времена года», персонификации различных элементов, возрастов людей, разнообразных игр и развлечений. Ланкр — своеобразный и тонкий художник. Он прекрасно овладел искусством построения группы фигур и объединения нескольких групп в единое гармоническое целое. Более того, группы в его полотнах объединены скорее по принципу декоративного, чем семантического сюжета. Роль Ланкре в развитии жанра «галантного праздника» велика. Он пережил своих учителей и соперников, поэтому его влияние было дольше. Кроме того, Ланкре много сделал для распространения французского вкуса в Европе. В 18 веке его картины были собраны не только знатоками Парижа, но и Фридрихом II, который стремился воспроизвести образ жизни французского двора во дворце Сан-суси, русской императрицы Екатерины II, английского аристократа сэра Ричарда Уоллеса. Картины Ланкре все еще сохраняют свое хрупкое очарование, напоминая нам об одном из самых ярких периодов во французской культуре.

Помпео Батони

Помпео Джироламо Батони (1708-1787). В работах этого итальянского художника XVIII века органично слились различные стилевые тенденции и тенденции эпохи: еще не устарели, порой едва заметны отголоски позднего барокко, легкие игривые формы рококо, новые тренды — неоклассицизм, Основными эстетическими принципами которых были провозглашены в 1763 году немецкими учеными, живущими в Риме, Иоганн Иоахим Винкельман. Все это вместе придало искусству Батони оригинальность, но в то же время вызвало определенную неопределенность и летаргию стиля.

Батони родился в Лукке в семье ювелиров и получил свои первые художественные навыки от своего отца. Возможно, именно уроки ремесла его отца отражали неизменную приверженность Батони изысканности ювелирных изделий и изяществу формы. Батони, девятнадцатилетний мальчик, переехал в Рим и оставался здесь до конца своей жизни. Сначала, на очень короткое время, он становится учеником Агостино Мазуччи и Себастьяно Конка. Но вскоре Батони вступил на путь самостоятельного изучения, пристально изучая и копируя картины Рафаэля и Аннибале Карраччи, а также неустанно зарисовывая старинные статуи, которые заполнили тогдашний Рим. Эти рисунки стали хорошей школой для мастера. Уже к началу 1730-х годов первые работы принадлежат, и стиль Батони был сформулирован в общих чертах, которые в течение следующих десятилетий были так или иначе изменены в соответствии с изменением художественной привязанности мастера.

Судьба Батони была успешной. Успех сопровождал его в Риме. У него не было недостатка в заказах на алтарные изображения и аллегорические картины. Слава портретиста привлекла в его мастерскую высочайшую аристократическую знать. Искусство Батони не знало конфликтов с общественным вкусом и всегда было признано современниками.

Помпео Батони не был монументальным мастером. Его главное призвание — маленькие алтарные изображения, картины на мифологические и аллегорические темы и портреты. Его работы относятся к таким произведениям, как «Падение Симона Волшебника» (церковь Санта-Мария-дельи-Ангели в Риме), «Ахилл среди дочерей Ликомеда» (Флоренция, Уффици), «Возвращение блудного сына» (Турин ), «Кающаяся Магдалина» (Дрезденская художественная галерея), «Святое семейство», «Геркулес на распутье», «Писец африканского Сципиона» (Государственный Эрмитаж), портреты императора Иосифа II и его брата Леопольда из Тосканы ( Вена, Художественно-исторический музей), Джон Стейпл (коллекция Систьери, Рим) и другие (см. Приложение 8).

В его ранних работах традиции барокко отражались в перегруженной композиции, в беспокойном ритме форм и цветовых контрастов (Падение Симона Волшебника). Однако изучение Рафаэля и идеи неоклассицизма вскоре изменило его работу. Художник все чаще стал обращаться к рассказам с аллегорическими последствиями, в которых идея доблести, победы долга над личной любовью имеет большое значение. Формальная структура его работы меняется. Художественный язык приобретает четкую, строгую, наглядную форму, классические мотивы легко распознаются в позах, при интерпретации лиц, рисовании обнаженных тел. В композиционных решениях рациональный, рациональный характер имеет приоритет над эмоционально прямым выражением. Однако неоклассическая структура его работ зачастую поверхностна, классическим элементам стиля иногда способствуют легкая игривая линия, невесомость и изящество формы, плавный, почти миниатюрный стиль письма.

Его шедевр «Геркулес на перекрестке добродетели и порока» (Государственный Эрмитаж) принадлежит к характерным работам мастера. Батони обратился к этой истории уже в своей ранней работе. На холсте Эрмитажа замысел художника звучал более отчетливо, хотя здесь позиция автора четко не выражена. Художник изобразил Геракла в глубокой задумчивости, выбирая между обязанностью, изображенной в образе отважной Афины, и удовольствием, воплощенным в образе Афродиты. Художник объединяет Геркулеса и Афродиту в одну группу, заключая их фигуры в классический треугольник, а вертикаль левой Афины им противопоставлена. Сцена изображена на фоне условного пейзажа со светлыми контурами древнего храма и классического фонтана, который можно увидеть на расстоянии. Память о величии и достоинстве искусства Рафаэля сочетается здесь с чисто рокайлевской игривостью складок одежды Афродиты, интерпретацией ее фигуры.

Искусство Батони не могло не сказаться на реалистических тенденциях, характерных для итальянской живописи XVIII века. Но в этом аспекте позиция художника оставалась неоднозначной, часто в одной работе проявлялись очень разные симпатии мастера. Например, в Святом Семействе (Государственный Эрмитаж) композиция разделена на две стилистически разные части. Группа Богоматери с младенцем Христом на руках и слева от Иоанна Крестителя изображена в условно-неоклассическом духе. Джозеф, который на мгновение поднял взгляд от чтения книги, чтобы взглянуть на играющего Христа, и святая Анна, протягивающая руку ребенку (слева), изображены в виде конкретных символов с общими чертами.

Наиболее целостное и полное выражение реалистических тенденций искусства Батони было найдено в жанре портрета, где живопись всегда следует реальности. Лучшие портреты кисти Батони написаны серьезно, вдумчиво, с глубоким проникновением в характер изображаемого человека. Батони находится на переднем плане парадного представителя неоклассического портрета. Его модели обычно располагаются на фоне старинных ваз, саркофагов, статуй, колонн, хотя нейтральный фон преобладал в ранних работах. Чаще всего художник писал знатных людей. Несмотря на яркость психологических характеристик изображаемых, у них также всегда есть что-то общее: аристократическое достоинство, эмоциональность, но в то же время особое, «отражающее» состояние.

Одна из лучших портретных работ ранних работ Батони включает портрет кардинала Колонны ди Скарры, написанный около 1750 года. Величественная, достойная фигура кардинала с четким силуэтом вырисовывается на темном, почти нейтральном фоне. Художнику удалось соблюсти меру между деталями рисунка деталей одежды, рук, костюма и классической четкостью, лаконичностью художественного языка. Индивидуальная характеристика сочетается с классифицирующим идеалом, как будто накладывается на живую природу, нейтрализуя ее случайные проявления. Этот метод «передачи» живого восприятия реальности через призму идеала характерен не только для художника-портретиста Батони, но и для его работы в целом и знаменует собой начало нового направления в европейском стиле. — классицизм конца 18 века.

Послесловие

Несмотря на свою легкомысленность и отсутствие идейного подтекста, рококо внес значимый вклад в общее развитие искусства. Авторы произведений продемонстрировали зрителю, что творчество может просто передавать самые земные настроения, а не только служить средством представления моральных идей. Новый стиль стал проводником светской жизни, акцентирующим внимание на простых человеческих радостях, хоть и отображающих мировоззрение ограниченного сословия.